Estilos de luz y sombra para tu ilustración digital

Si te has hecho estas preguntas:

1. ¿Cómo puedo sombrear digitalmente?
2. ¿Cuales son las etapas para sombrear digitalmente?
3. ¿Cuales son los pasos para sombrear digitalmente?
4. ¿Cómo darle sombra a mi ilustración digital?
5. ¿Cómo puedo darle un estilo a mi sombreado?
6. ¿Qué estilo de luz y sombra le queda a mi ilustración digital?
7. ¿Comó saber cuánto detalle poner a mi ilustración digital?

En este primer video tutorial del canal donde hablaremos sobre los estilos de luz y sombra que puedes usar en tu ilustración digital. Espero poder ayudarte con algunas ideas que puedan mejorar tu sombreado digital, así que Comencemos!

 La luz y la sombra nos ayudan a que nuestra ilustración adquiera volúmen. Cuando realizas una ilustración digital puedes sombrear en tres etapas clave y estas 3 etapas también son 3 estilos que puedes optar:

1. La luz y sombra plana o Cut Out.
2. La luz y sombra degradada.
3. La luz y sombra realista.

Ejercicio en base a un modelo 3D

Realice este ejercicio en el que busque una imagen de un modelo 3D de un personaje

Este modelado de una mujer es del artista Julien Kaspar.

Soló me limité a utilizar un pincel clave para lograrlo.

El primer paso fue hacer el boceto, por lo general lo haga en etapas  usando colores, esto me ayuda a visualizar mejor lo que debo mejorar, pulir o añadir en la siguiente etapa.

La luz y la sombra plana o «Cut Out»

El primer paso fue sombrear usando los mismos tonos que estuve viendo. No utilicé el cuentagotas sino que me esforcé en poner el color lo más cercano a lo que veo. Cuando sombreo, utilizo el lazo de selección y relleno de forma plana.

Solo basta un tono de sombra para logralo y lograrás darle dimensión a tu personaje u objeto, sin embargo puedes aumentar a 2, 3 o más tonos y lograrás darle más profundidad.

Puedes usar la sombra Cut out si tu tipo de ilustración es más simple o plana. Es como el sombreado que ves de los Animes. Este estilo es ideal para quienes hacen historietas o animación porque no te quita mucho tiempo.

La luz y sombra degradada

Una vez que ya sabes los tonos que usarás y después de haber colocado las secciones clave, el siguiente paso es pintar alrededor, configurando el pincel para que tenga baja opacidad, eso logra un efecto de transparencia o de veladuras (como la acuarela) que te permite poner mas tonos intermedios que suavizarán la transición entre tonos.

En este estilo también puedes utilizar un pincel tipo aerógrafo o el difumino para lograr mayor suavidad, en ambos casos también es importante cambiar la opacidad según sea necesario.

Puedes usar esta técnica si tu ilustración necesita más detalle y suavidad. Las historietas americanas contemporáneas, manejan este estilo donde se ve la línea negra del entintado y los colores y sombras degradados.

La luz y la sombra realista

En este paso, pinte la línea negra tomando en cuenta los tonos de color que están alrededor para mantener los volúmenes. Además de esto, pinté otros pequeños detalles a la pintura que hacen que la luz y la sombra se vea más realista, como en la refenrecia del modelado 3D.

Una ilustración que se vea realista se verá impresionante, pero entre más detalle le pongas, más tiempo te tomará en lograr ese efecto. Este estilo es ideal para ilustraciones de portada que deseas que se vean impresionantes, para visualizar una escena (como en el concept art) , también cuando haces fondos para animación, ya que creará un constraste con la luz y la sombra plana del personaje,

No es recomendable si haces varias viñetas de un comic; sin embargo, algunos dibujantes de historietas europeos si lo lográn. Tampoco es recomendable o para personaje u objetos que se mueven dentro de una secuencia animada por el tiempo que te demandaría lograrlo.